Hemos tenido la ocasión de charlar con el artista toledano Karlos Gil, ganador de la beca “DKV Seguros-Álvarez Margaride”. Esta beca de producción artística tiene como objetivo homenajear al fallecido empresario gijonés José Luis Álvarez Margaride, presidente de DKV Seguros Médicos.

The Moon Museum ha sido la propuesta por la que el jurado ha seleccionado a Karlos Gil, quien está desarrollando su propuesta en una residencia de dos meses de duración en la Plataforma 0 de LABoral, como paso previo a la inauguración, el próximo 22 de junio.

Karlos Gil basa su proyecto artístico en el supuesto proyecto homónimo que desarrolló la NASA en los años 60. Digo supuesto, porque dicho proyecto no se conoció hasta que Forrest Myers lo desveló en The New York Times. Aún así, no sabemos a ciencia cierta si aquel hecho ocurrió ya que nadie volvió a la Luna para comprobarlo.

The Moon Museum fue considerada como la primera obra de Art Space de la historia. Dicha obra consistía en una pieza de cerámica (de 1,9 x 1,3 cm) en cuya superficie se grabaron obras que realizaron ex profeso artistas como John Chamberlain, Forrest Myers, David Novros, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg y Andy Warhol.

La obra de Karlos Gil estará formada por una instalación donde veremos en parte el relato sobre el origen, propósito y estado actual de aquel museo secreto en la Luna.

Él define su instalación como “un museo dentro de otro museo”, algo que no deja de ser paradójico ya que la LABoral se autodefine como un “Centro de Arte y Creación Industrial” y el proyecto de la NASA interpreta el concepto museo de forma no convencional.

Karlos Gil, The Moon Museum. Cortinillas de un canal de televisión de los años 60 y 70
que retrasmitió la noticia de la misión Apolo 12 en Alemania y que estarán en la instalación de LABoral.

Estamos deseando ver el resultado, mientras tanto vamos a conocer algunos aspectos sobre Karlos como artista a través de sus palabras en esta entrevista.

¿Cuándo decidiste que tu futuro estaba en el arte?

Una decisión es un concepto subjetivo, un objeto mental. Por lo tanto puede ser tanto una opinión como una regla.

Habría que revisar la expresión "estar en el arte", como la de hablar del futuro desde el pasado.

¿Qué papel juega la tecnología en tu producción artística? ¿Cuál es la técnica artística con la que te encuentras más cómodo?

Me interesan las tecnologías de la imagen, los códigos, los sistemas de conocimiento, su almacenamiento, los procesos informativos, el lenguaje tecnológico. Quizá sean conceptos que pertenecen al discurso tecnológico o informático en el imaginario colectivo pero yo prefiero tratarlos desde múltiples mesetas. Por este motivo, no podría decantarme por una técnica específica.

¿Cuál fue tu primer trabajo o proyecto más importante?

Siempre suelo hablar de Taking/Giving Information. Every lasting idea has been made from an unverifiable but verifiable story, de 2011. Esta pieza que ya estuvo en LABoral, en la exposición Estación experimental, y narra la transformación de un huevo que caduca el mismo día que Marty McFly viaja al futuro en Back to the Future II (1989)

¿Cómo estás viviendo esta beca de producción artística? ¿En qué momento del desarrollo de tu obra estás?

El proyecto se está desarrollando muy bien. Es una forma de trabajo desconocida para mi y por lo tanto, muy positiva. Es una suerte poder contar con un equipo humano como el de LABoral.

¿Cuáles son tus referentes artísticos o literarios?

Nunca suelo resaltar a nadie por respeto a los demás. Podría decir muchos nombres y olvidaría otros tantos.

¿Crees que el arte debe estar en conexión con la sociedad?

Nunca se ha separado de la sociedad, es una de las mesetas desde la que se produce el conocimiento y por lo tanto siempre están conectadas.

¿Qué papel juegan para ti las redes sociales?

Me interesa la visualización de datos, los roles de comportamiento, la legitimación de un "post", incluso las imágenes de la borrachera del fin de semana.

¿Qué exposiciones actuales recomiendas visitar?

Recomiendo la exposición de WERKER de García | Galería, Madrid, y el último evento comisariado por Belén Zahera en Salon Flux, Londres, en el que he tenido la suerte de participar como artista. ¡Muy recomendables!

Simulación de uno de los elementos de la instalación realizada por el artista.

En una sociedad marcada por el uso constante de la tecnología, parace necesario educar usuarios que sepan pensar, desarrollar y producir tecnología adaptada a sus necesidades.

A lo largo de este curso escolar, 12 centros asturianos trabajaron con el colectivo Neokinok.tv, Susanna Tesconi, David Dalmazzo y David Pello en tres ámbitos vinculados al uso crítico de las nuevas tecnologías: televisión experimental, diseño y fabricación digital y programación creativa.

Los alumnos y alumnas de cinc de estos centros y sus docentes participan los dias 30 y 31 de mayo y 1 de junio en esta actividad final de curso, que les permitirá compartir su experiencia y proyectos en un programa en directo el sábado por la mañana. Podrán además participar en actividades distintas a los proyectos que desarrollaron durante el curso escolar.

Centros participantes: IES de Pravia, IES Rey Pelayo, Cangas de Onís, IES de Vegadeo, IES Santa Bárbara, La Felguera, IES Jovellanos, Gijón.

Programa
Jueves 30 de mayo, de 16 a 19 horas
Presentación del grupo y de la actividad en el TV-LAB.
Los participantes trabajarán en cada actividad según el proyecto que hayan desarrollado durante el curso y sus propios intereses.

Viernes 31 de mayo, de 10 a 19 horas (comida: de 14.30 a 16 horas)
Preparación del programa y contenidos
Producción de todo el material necesario para el programa.

Sábado 1 de junio, de 10 a 13 horas
Emisión de un programa en directo con los: de 11 a 13 horas. Se invita a las familias y amigos a asistir.
El programa se puede seguir en: http://tvlab.experimentaltv.org/

Actividad subvencionada por la Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno del Principado de Asturias a través del

Entrada: Libre. El público está invitado a sumarse a la sesión de improvisación aportando sus instrumentos

A lo largo de su historia el vídeo ha ido desarrollando un nuevo lenguaje específico gracias a su capacidad para producir y re-producir imágenes de manera simultánea. Y sin embargo, su gramática es mutante, ya que se relaciona por igual con el cine, la fotografía, la televisión o también la performance, al haber sido utilizado para registrar distintas acciones. Además de indexar lo real, el vídeo es capaz de expandir la idea de tiempo, articulando un flujo de imágenes que se consumen en directo, al servicio de la comunicación de nuestra aldea global.

Esta selección de películas del fondo de Le Fresnoy pretende dibujar un retrato de conjunto, algo así como un plano general. El objetivo último de la muestra es representar el movimiento del mundo a partir de lo contingente, de lo particular, dotando de estructura y sentido su confuso y constante estado de cambio, personificado en cada una de estas obras. Cada una de ellas es perfectamente autónoma con respecto al resto, ya que no sólo abordan temas que apenas se repiten sino que representan formas narrativas incluso contrapuestas. En conjunto articulan un espacio común que el espectador debe componer en su mente.

De esta forma, lo particular se reivindica como aquello que es capaz de producir un acontecimiento concreto, pero siempre dentro de un sistema. Gracias a la relación que establecen unas películas con otras, se dibujan una serie de filiaciones latentes: un relámpago de significado que termina por hacer visible una constelación en marcha, donde cada obra trasmite una cierta energía sobre las otras, un impulso, transformando el sentido completo de todo el circuito.

Comisariado: Alfredo Aracil

Artistas: Clément Cogitore, Tatiana Fuentes Sadowski, Vimukthi Jayasundara, Anna Marziano, João Pedro Rodrigues, Mitsuaki Saito

Con la colaboración de:

Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains

“El sonido no se oye como lo que es, sino como lo que representa. Cuando se ha identificado el significado, el significante no se oye más. Pero eso no es del todo así. Sí se oye aunque no se escuche. Como sí se ve, aunque no se mire. Pero se escucha mucho menos de lo que se mira”. José Manuel Berenguer

“(…) Se escucha mucho menos de lo que se mira”. Quizá éste es el gran acierto de festival L.E.V., combinar, mezclar y hacer que las últimas tendencias en música electrónica y artes visuales se conviertan en una sola cosa, en un todo. Y que ese todo atraviese tus sentidos, convirtiendo cada concierto en una experiencia sensorial única. En una obra de arte total. Como diría John Cage: “la separación imaginaria de la escucha respecto a los otros sentidos no existe”.

Desde 2007 este festival, Laboratorio de Electrónica Visual, se viene celebrando en la ciudad de Gijón con gran éxito de público, llenándose hasta los topes de gente entusiasmada que viene, no solo desde cualquier rincón del país, sino también de Inglaterra, Francia, Alemania, etc. La repercusión en los medios es exactamente la misma. Los conciertos quedan reseñados y son seguidos por las principales radios, periódicos y revistas culturales (programa especial L.E.V. 2013 de Atmósfera de Radio 3) y llega a situarse muy cerca de los grandes festivales de este género en el país como el Sónar de Barcelona o el Monegros Desert Fest de Huesca.

Durante dos días, viernes 3 y sábado 4 de mayo, espacios de Laboral Ciudad de la Cultura (el Centro de Arte y Creación Industrial, el teatro y la iglesia) además del Jardín Botánico, se transformaron en un lugar donde disfrutar y emocionarse por los sonidos electrónicos y las imágenes generadas tecnológicamente. Pero del desarrollo del evento en sí ya nos habló Naiara Valdano en su último artículo en #LABlog.

Lejos de los clichés y prejuicios que circulan alrededor de cualquier evento en el que este tipo de música esté presente, L.E.V. ha conseguido dar el lugar merecido a las prácticas más tecnológicas y experimentales aunando música e imagen. Pero, ¿por qué no se le da a la música electrónica la misma categoría artística que a otras músicas, como la clásica, el flamenco o el blues?

Normalmente se desconoce la historia de este tipo de música. Podríamos decir que sus antecedentes se encuentran en los primeros aparatos electrónicos para grabación y reproducción de sonido, como el resonador Helmholtz o el fonógrafo de Edison por ejemplo, de finales del s. XIX y principios del XX. Una de las primeras corrientes artísticas que sintió atracción por este tipo de composiciones musicales fueron los futuristas que, liderados por Luigi Russolo, idearon una música compuesta por ruidos y cajas de música electrónicas, desde ese momento, consideradas también instrumentos.

En 1919, Lev Sergeivitch Termen inventa el Theremin, sintetizador predecesor del Mini-Moog y único, ya que es el primer instrumento que suena sin ser tocado físicamente. El festival gijonés rinde homenaje a su inventor adoptando su nombre de pila. Poco después, en 1925 se inventará el  micrófono y en 1931 Alan Dower Blumfield desarrollará el sonido estereofónico para grabación, impulsando la industria discográfica de forma nunca antes imaginada.

Será con John Cage cuando la escena musical viva una auténtica revolución. Inspirado por las experimentaciones de Satie o Duchamp, Cage introducirá una nueva concepción musical, donde el proceso es tan relevante como la misma pieza. Las ejecución será considerada acción, y en ella entra en juego el azar, el silencio y, a través de él, el ruido. Los instrumentos se ampliarán yendo desde los más clásicos, como el piano, a cualquier objeto capaz de crear sonido y entre ellos, claro está, los electrónicos.

Durante la II Guerra Mundial nace la figura del disc-jockey, destinado a distraer a las tropas norteamericanas durante el conflicto. Pasada la guerra, la Música Concreta, ideada entre otros por Stockhausen, y que se basaba en la captación de sonidos ambientales para, más tarde, ser montados en un estudio creando composiciones originales, va a ser una de las grandes influencias de la música electrónica actual.

En los 60, Robert Moog lanzó el sintetizador analógico Moog, que introducirá nuevos sonidos y conceptos en la música como las composiciones matemáticas. Es a partir de este momento cuando estilos musicales ya existentes como el rock o el reggae, se entreguen de lleno a la experimentación sonora que la electrónica les ofrecía. Nacerá el Dub (reggae electrónico) o el rock progresivo, y otros estilos como el Minimalismo liderado por el compositor Steve Reich, usarán los aparatos electrónicos desde sus primeras composiciones. King Tubby dará una definitiva vuelta de tuerca inventando el remix o remezcla.

A partir de los 70-80, la música electrónica se hará verdaderamente popular gracias a los clubs y discotecas, y gran variedad de estilos musicales preexistentes se interesarán en fusionarse con ella. Es el nacimiento de estilos electrónicos tan conocidos como el House en Chicago o del Techno en Detroit, que se dejan influenciar del grupo alemán Kraftwerk, pioneros del pop electrónico.

Las fiestas Acid-House de los 80 fueron el culmen de todos estos estilos electrónicos, en las que se mezclaba la música iba acompañada ideales hippies y planteamientos intelectuales underground.

Será la década de los 90 cuando la música electrónica se consolide y se haga más comercial, apareciendo subgéneros como el Ambient, Trance o el Drum and Bass, entre muchos otros.

Tras este breve recorrido por la historia de la música electrónica, en el que queda más que patente su origen y vocación artística, he querido centrarme, no en la descripción del evento en sí, sino en lo que supone organizarlo. Para ello, he hecho una pequeña entrevista a los responsables del festival.

L.E.V. es un proyecto diseñado y concebido desde su inicio por el colectivo asturiano Datatrón 0x3F, el cual está formado por Cristina de Silva, Nacho de la Vega y Fran Suárez.

Nacho de la Vega y Cristina de Silva forman el colectivo de artistas multimedia Fiumfoto, que desde hace años trabaja aportando su personal concepción de la realidad al circuito de las nuevas expresiones artísticas además de comisariar proyectos como Arenas Movedizas o la muestra internacional Visualizar el Sonido para LABoral, entre otras muchas actividades.

Francisco Suárez es diseñador de interiores y fundador de la plataforma Scheme, centrada en la difusión de proyectos emergentes a nivel global en los territorios de la música electrónica, el diseño gráfico y el video experimental.

-¿Qué os impulsó a crear el festival?

+Fiumfoto: Pues nosotros llevamos trabajando en esto de la música electrónica y las artes visuales desde hace ya unos 20 años. Siempre hemos vivido ligados a la música. Hemos pinchado y hecho visuales en muchos bares, clubs y con muchos artistas a lo largo de este tiempo, y siempre nos pareció que la electrónica sólo se abordaba, o se entendía, desde su faceta más lúdica. Pensamos que era importante el dar visibilidad a este tipo de cultura y hacer que en nuestra ciudad, donde siempre ha habido una escena muy fuerte, se hiciera un hueco a este tipo de propuestas. Gijón es una ciudad pequeña de la costa norte, pero muy inquieta, estábamos cansados de tener que trasladarnos a las grandes capitales para poder disfrutar de este tipo de experiencias.

+Fran: Yo por mi parte siempre había estado muy interesado en la creación y desarrollo de plataformas que puedan servir de soporte a la música y las artes visuales. Gijón tiene un potencial incalculable para que un proyecto de este tipo funcione a la perfección. Cuando nos conocimos compartíamos inquietudes y una misma visión de cómo debían ser concebidos y llevados a cabo proyectos de este tipo así que no lo dudamos.

-L.E.V. está teniendo una repercusión arrolladora (han llegado a mí comentarios de público que vino desde Inglaterra y quedó maravillado). ¿Pensabais conseguir el éxito de público y crítica en un principio?

+Al principio no te planteas estas cosas, pero poco a poco nos fuimos dando cuenta de que el potencial del Festival era muy grande. Intentamos mimar todos los aspectos del festival: el sonido, los emplazamientos, la programación… para que el público pueda disfrutar al máximo de un fin de semana cargado de experiencias.

-¿Qué obstáculos habéis encontrado a la hora de hacer entender la música electrónica como arte? ¿Y a la hora de conjugar música/artes visuales?

+Nuestra intención era descontextualizar la creación electrónica y llevarla a un espacio mas amplio dejando atrás algunos prejuicios que hay sobre ella… tratarla como un ámbito de creación más que además tiene la capacidad de  relacionarse con otras disciplinas de manera muy sinérgica como es el caso de las artes visuales.

-¿Cómo valoráis que un festival como este tenga lugar en un museo? ¿Es el lugar idóneo a vuestro entender?

+Un Centro de Arte es un lugar idóneo, por supuesto, aunque hay más posibles…

Una de las premisas del Festival es aprovechar al máximo todos los recursos que estén disponibles, en este sentido LEV tiene la enorme suerte de poder contar con un teatro con una acústica muy buena, una iglesia, un centro de arte y un jardín botánico, todo en un radio muy cercano. Esto es uno de los puntos fuertes del Festival.

-La gran cantidad de actividades paralelas a las sesiones demuestra un gran interés por el público: Workshop Red Bull Music Academy con Clark, workshop: Bhoreal, controlador hardware, Enhanced performances & It’s getting dark here, convocatoria LEV – Scanner FM, The Creators Project o la entrada gratuita a la exposición Realidad Elástica de LABoral. ¿Es uno de vuestros intereses promocionar nuevos valores? ¿Hacer experimentar al no entendido? ¿Pensáis que de esta forma se valorará más el arte y las nuevas tecnologías?

+La propuesta del Festival es poder conocer, entender y analizar la creación electrónica desde diferentes puntos de vista, que el público se pueda acercar de diferentes maneras, de ahí la idea de programar Encuentros, Talleres…

-¿Es difícil conseguir colaboraciones como las de Red Bull o Scanner FM?  ¿Consideráis su apoyo indispensable para poder llevar el proyecto a cabo?

+L.E.V. es una coproducción del Principado de Asturias y LABoral Centro de Arte que además cuenta con colaboraciones importantes como son las establecidas con Redbull desde casi los inicios del Festival… y otras muchas, a todas ellas las consideramos muy valiosas.

El apoyo de todas las partes y el trabajar de manera conjunta y coordinada teniendo claro el objetivo es lo que hace posible que L.E.V. se haya mantenido estas 7 ediciones y goce de buena salud.

-¿Cuál ha sido la actividad más solicitada y con mejores resultados?

+Los directos en la iglesia de Pole y Andy Stoott puede ser una de estas actividades. Teníamos muchas ganas de retomar este espacio para programar directos y pensamos que funcionó muy bien y que el público lo disfrutó de una manera muy especial.

-Normalmente, ¿los artistas se muestran interesados en participar en los Workshops y mesas redondas? ¿Cómo responde el público al contacto con ellos?

+Sí, suelen estar interesados aunque la verdad es que a veces es complicado, no por falta de interés sino porque es difícil sincronizar todas las actividades: las pruebas de sonido, entrevistas… pero por lo general se muestran interesados.  Y el público responde muy positivamente. Los workshops han llegado hasta sus límites de capacidad en todas las ediciones del festival, y en el resto de actividades la participación siempre ha sido muy alta.

El perfil de los artistas que vienen al L.E.V. tampoco es el de grandes estrellas, en la mayoría de los casos se trata de gente muy normal que está encantada de entrar en contacto con otros creadores y con el público. Hay muy bien ambiente en el Festival y eso lo nota todo el mundo. Los artistas los primeros, y eso hace que pueda disfrutar también ellos de una manera relajada del Festival pudiendo acudir a ver actuaciones…

- ¿Qué retos os planteáis para próximas convocatorias?

+Nos planteamos seguir trabajando duro, intentando aprovechar al máximo todos los recursos y buscando nuevas vías de acercarnos al público. No nos interesa un Festival estático.

Después de hablar con ellos tres parece incluso fácil organizar y poner en marcha un evento cultural de esta calidad y envergadura. Como veis, las buenas ideas, aún hoy, consiguen buenos resultados y apoyos.

Que L.E.V. haya nacido de la cabeza de tres personas, no de una multinacional, con inquietudes y ganas de aportar ideas y conocimiento, investigación, experimentación musical y visual, es algo más que motivador para ti y para mí. Una razón más para seguirle la pista, aprender con ellos y de ellos, apoyarles y, sobre todo, disfrutar del espectáculo.

Fotografias L.E.V. 2013: Piru de la Puente

Gracias a Cristina, Nacho y Fran.

Ese entorno cada vez más complejo funde lo virtual y lo real, el flujo de datos con el paisaje. Y aunque se han acuñado nuevos términos para describir ese estado de cosas, ninguno expresa con justicia la esfera de múltiples capas que habitamos. De ahí sale el concepto de realidad elástica que inspiran las obras mostradas en esta exposición. Los artistas participantes no se limitan a jugar con esas distorsiones de lo “real”: promueven al mismo tiempo modos innovadores de interacción con sus piezas. La exploración formal de nuevas interfaces desempeña un papel tan relevante en sus preocupaciones como el propio contenido de la obra y su comentario sobre el estado actual de la realidad que nos contiene.

Comisario: Benjamin Weil

Artistas: Théodora Barat, Véronique Béland, Pierre-Yves Boisramé, Vincent Ciciliato, Maya Da-Rin, Ryoichi Kurokawa, Joachim Olender, Zahra Poonawala, David Rokeby, Dorothée Smith

Coproducción: LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains (Francia), Contemporary Art Center, CAC (Lituania)

Patrono colaborador:

Con el apoyo del Programa Cultura de la Unión Europea

Plataforma 0 Centro de Producción ofrece la oportunidad de acceder a una serie de recursos a precios reducidos: cortadora láser, fresadora, CNC, impresora 3D, equipos audiovisuales....

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Hasta hace pocos años la robótica era un campo de técnicos e ingenieros de la industria. Ahora, los niños y niñas también pueden sumergirse en este mundo mediante el uso de materiales didácticos y un lenguaje sencillo.

La robótica educativa es además un escenario que permite a los niños y niñas, aprender en una forma más práctica, sencilla y movilizadora, logrando que sean creadores e investigadores y no solo consumidores de conocimientos.

Impartido por: educated
Fechas: domingos alternos, 5 y 19 de mayo y 2 y 16 de junio
Duración: 12 horas, en 4 sesiones de 3 horas
Dirigido a: niños y niñas de 10 a 14 años
Número de participantes: 15
Inscripción: 60€
Plazo de inscripción: hasta el 30 de abril.
Para inscribirte pincha aquí

Con la colaboración de:

La robótica educativa permite aprender en una forma más práctica, sencilla y movilizadora, logrando que sean creadores e investigadores y no solo consumidores de conocimientos.

Impartido por: educated
Fechas: domingos alternos, 28 de abril, 12 y 26 de mayo y 9 de junio
Duración: 12 horas, en 4 sesiones de 3 horas
Dirigido a: niños y niñas de 10 a 14 años
Número de participantes: 15
Inscripción: 60€
Plazo de inscripción: hasta el 22 de abril.
Para inscribirte pincha aquí

Con la colaboración de:

A modo de folleto expandido, ofrece información multimedia sobre cada artista, obra, los comisarios e incluye textos, fotografías y vídeos. Asimismo incorpora una lista de actividades asociadas a la muestra y un plano de localización de la exposición en los espacios de LABoral, así como información general del Centro con horarios, tarifas y datos de contacto.

La App de LABoral es gratuita y una vez descargada en el terminal no precisa de conexión a Internet para volver a utilizarla.

Descárgate la aplicación de LABoral:

Esta herramienta ha sido desarrollada conjuntamente con la empresa asturiana Llume, Estudios y Proyectos Culturales, con ayudas del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

El proyecto de LABoral ecoLAB es un laboratorio de experimentación en la intersección de la ecología, el arte y la electrónica abierta. Un proyecto que trata de contribuir a generar subjetividades y dinámicas de relación con la biosfera y sus ecosistemas.

Para esta muestra colaboran diversos artistas y colectivos locales que han estado trabajando durante los encuentros abiertos y que han ido documentando los procesos de trabajo.

Por otra parte, Patio Sur, el espacio físico de experimentación de ecoLAB, acogerá una nueva señalética que permite conocer los secretos y funcionamiento de este espacio verde que ante un aparente desorden formal esconden la belleza y la riqueza casual de un no-jardín.

Coordinan: Lorena Lozano y Rubén Suárez
Participantes: Cristina Ferrández, Rubén Suárez, Daniel Romero, Andy Gracie. Re.colectivo, Javier Palacios

Con el apoyo de:

El punto de partida fue una vídeo instalación que, a modo de invernadero, invitaba a rellenar una ficha apadrinando un árbol. Se producía así una traslación del entorno urbano al natural, confundiendo realidades aparentemente antagónicas. Siguiendo estos parámetros iniciales, Crear bosques se ha convertido en una gran acción global que, mediante el trabajo en red y el asociacionismo, busca establecer pautas de dialogo y acción: el compromiso individual como forma política o eco política. Otro de los principios es el de trabajar con economía de recursos para convertir el proceso en un nudo relacional en crecimiento, desde una óptica tecnológica de trabajo en red, difusión y crecimiento sostenible.

La acción consiste en la recopilación de solicitudes de apadrinamiento/amadrinamiento, la gestión de la acción –con una importante labor de los museos, centros de arte, colectivos y ONGs– y la plantación, vuelve a un formato objetual al transformarse en un mapa de localización que permite al padrino/madrina visitar su árbol en el caso de que lo desee. Hasta el momento se han realizado diversas acciones en, entre otros, Asturias, Galicia, Argentina, Perú, Paraguay, República Dominicana, México y Alemania.

Instrucciones: uso de -el mapa crear bosques en el jardín de LABoral Pieza variable=168 árboles

La artista Carmen Cantón se ofrece a plantar árboles de encargo en el jardín de LABoral. El proyecto tiene su origen en una performance, que parte de un trabajo en proceso que se inició el día 21 de marzo de 2000 en Monte Deva, Gijón.

Dirección de proyecto: Carmen Cantón
Coproducción: EMULSA-Empresa Municipal de Servicios de Medio Ambiente Urbano de Gijón S.A.
Organización: Crear bosques & Centro de Arte Ego
Comisaria: Lucia Antonini
Colaboración: MAV-Mujeres en las Artes Visuales, FAPAS-Fondo para la Protección de los Animales Salvajes, Space Invaders, Guerrilla Girls
www.crearbosques.org