LABORAL - CENTRO DE ARTE Y CREACIÓN INDUSTRIAL

BIOGRAFÍAS

Fernando Bryce (Lima, Perú, 1965) se destaca entre sus contemporáneos por su amplitud intelectual, su rigurosidad y su énfasis sobre la práctica del dibujo. Su proyecto conlleva una reflexión crítica sobre los cruces entre la cultura visual, la editorial y la expositiva, las funciones de los archivos y las implicaciones de todos estos elementos para la memoria histórica. Desde mediados de los años 90, Bryce ha estado llevando a cabo tareas de investigación en varios archivos y bibliotecas, localizando material impreso que en la mayoría de los casos puede ser percibido como una forma de propaganda, relacionado con intercambios pedagógicos, artísticos, comerciales y diplomáticos, así como con partidos políticos y grupos revolucionarios, que representa en sus series de dibujos. Sus obras forman parte, entre otras, de las colecciones públicas de The Museum of Modern Art, MoMA, Nueva York, EEUU; The Tate Modern, Londres, Gran Bretaña; The Carnegie Museum, Pittsburgh, EEUU; Kunstmuseum St. Gallen, Suiza; Colección VAC, Valencia, España; Colección Fundación ARCO, Madrid, España; y Colección Burger, Zürich / Hong Kong.

Maite Centol (Logroño, 1963) utiliza en su trabajo artístico diferentes estrategias y disciplinas y plantea en sus obras una comunicación real con el ciudadano haciéndole participe voluntario del proceso. De ello son muestra la instalación sonora Lugares para vivir solo con la imaginación; Arenas Movedizas, Gijón 2005; The best Night, Arte y Sexos, Gijón. 2007, trabajo en el que se interpretan con iconos las cartas anónimas sobre su primera relación sexual; o Por dinero, instalación interactiva que busca establecer comunicación telefónica. Actualmente tiene obras en proceso como Petit Houses, que desarrolla desde 2004 con la recopilación de imágenes sobre arquitecturas accidentales, o Palimseptos, intervención pictórica sobre muros realizada en Gijón y en la ciudad sueca de Linköping. Durante los últimos años ha participado en proyectos colectivos como Proyecto Género, Galería Off Ample. Barcelona, con la serie fotográfica Marcando el Paso, 2008, y otros específicos como El Buen Lugar, 2007, para la exposición Extensiones y Anclajes de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial. Durante ese mismo año recibió la beca “Al Norte” para realización de Pero soy optimista. Ha participado también en la última edición de Peregrination. Tierra Madre. Arte público en las capillas de Sagunto, Valencia 2008, con la realización de Yo soy la intrusa, en la Capilla de la Magdalena. Desde 2004 coordina el Espacio de Creación y Didáctica con proyectos como Arte Publico Barrio del Carmen, o Match Box.

Colectivo Escoitar.org + Enrique Tomás
Escoitar.org es un colectivo de artistas y activistas sonoros, compuesto por Carlos Suárez Sánchez, Julio Gómez, Juan Gil Rodríguez, Horacio González, Chiu Longuina y Bernio Molina. Antropólogos, musicólogos, licenciados en Bellas Artes o artistas multimedia, su labor se centra en el trabajo sobre el sonido, la memoria sonora y el compromiso ético de la acción cultural. Desarrollan su actividad en red y desde el open source como conceptos clave de dinamización social. Recientemente han creado un mapa sonoro interactivo de Galicia a través del cual se puede acceder telemáticamente a los sonidos del paisaje y la vida de una zona geográfica determinada. (www.escoitar.org)

Enrique Tomás (Madrid 1981) es ingeniero y compositor de sistemas sonoros interactivos. Trabaja en arte sonoro y computer music, formando parte de diferentes colectivos artísticos como EMI, Recursive Dog, Atmosfera, Sustrato_Ruido, entre otros. Ha exhibido su obra en Festivales y eventos de Europa y América (Ars Electronica, Sonar, Observatori). Como educador, imparte regularmente en clases magistrales y cursos de Instrumentos Electrónicos e Instalaciones Interactivas. Actualmente vive en Linz donde trabaja para Futurelab y Ars Electronica.

Marta de Gonzalo (Madrid, 1971) y Publio Pérez Prieto (Mérida, 1973) viven en Madrid y trabajan conjuntamente desde 1996. Licenciados en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Salamanca, respectivamente, a través de diversos vehículos como la instalación, el vídeo o los seminarios, sus obras nunca pierden una marcada vocación teleológica humana. Es a este sujeto, fin último de su investigación, al que ofrecen la posibilidad de un pensamiento activo basado en la posibilidad de otras imágenes y otros mundos. Han expuesto en Matadero Madrid (2008); Fundación La Caixa, Lérida (2006); MediaLab Madrid (2005); MNCARS, Madrid (2003); MEIAC, Badajoz; GAMVideoFestival; Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporánea,
Turín; Galerie Art & Essai, Rennes; o Casa de América, Madrid (2002).

Ángel de la Rubia (Vigo, 1981) aunque nace en Galicia, su familia se traslada pocos meses después a Asturias, de donde es originaria su rama materna. Comienza estudios de biología, para dejarlos poco después por los de fotografía en la Escuela de Artes de Oviedo, donde presenta como proyecto final La Fosa de Valdediós. En 2004 recibe una beca de creación MUSAC que le llevará a viajar por Bosnia-Herzegovina durante tres meses.
A su regreso, se traslada a Madrid para, desde allí, embarcarse en otros viajes e iniciativas. Desde entonces, y entre otros, ha sido galardonado con el III premio Purificación García en su edición de 2008, ha expuesto junto a Iván Grubanov en el Laboratorio 987 del MUSAC y recientemente ha regresado a los Balcanes para trabajar en Kosovo gracias a una beca de Obra Social y Cultural de Caixa Galicia.

Jeremy Deller (Londres, 1966) se formó en el Dulwich College, Courtauld Institute of Art, University of London, licenciándose en Historia del Arte por la Universidad de Sussex. En su trabajo, la colaboración y la participación desempeñan un papel capital. En 2004 obtuvo el Premio Turner por su instalación Memory Bucket (2003), una pieza en la que recurre a técnicas documentales para efectuar una exploración del estado de Texas, centrándose en dos emplazamientos de fuerte carga política: el lugar en el que se produjo el cerco a la secta de los davidianos, en Waco, y la población de Crawford, ciudad natal del Presidente Bush. En este trabajo, Deller efectúa una especie de collage a base de material informativo de archivo y entrevistas, yuxtaponiendo reportajes oficiales con narraciones personales.
Sus proyectos más recientes investigan en el paisaje cultural de lugares concretos. En A Social Parade rinde tributo a la diversidad de San Sebastián, invitando a una muestra representativa de los distintos grupos sociales de la ciudad a desfilar por el bulevar central. Deller ha desarrollado también una sólida exploración de la herencia cultural y política de Gran Bretaña. Para su nueva serie de fotografías, el artista ha realizado y encargado unos monumentos en homenaje a individuos y acontecimientos clave de la historia reciente, incluyendo un banco
conmemorativo cerca del domicilio del manager de los Beatles, Brian Epstein, en Belgravia, y una señal de tráfico en memoria de un ciclista fallecido.

Fiumfoto. Cristina de Silva Marbán (1972) y Nacho de la Vega (1968) son los dos componentes de Fiumfoto, colectivo artístico centrado en la videocreación y el multimedia, bajo cuyo nombre han presentado sus trabajos en algunos de los certámenes artísticos, galerías y festivales de arte digital y música electrónica más importantes del país. Además comisarían y producen certámenes de arte como “Arenas Movedizas” y el
LEV festival, ambos en Gijón. Interesados en los mass media, y la eficacia de los mismos para lanzar mensajes, la apariencia lúdica y festiva de sus actuaciones guarda un profundo argumento contrario a ciertas prácticas de poder.

Andreas Fogarasi (Viena, 1977) vive y trabaja en la capital austriaca. Es uno de los jóvenes artistas más prometedores en la actualidad y pese a su juventud ya ha participado en muchas citas de relevancia. En 2007
representó a Hungría en la Bienal de Venecia (ganó el León de Oro que se otorga al mejor pabellón), participó en la Manifesta de Francfort en 2004 y el pasado año lo ha hecho en el Unlimited de la Feria de Basilea con uno
de sus típicos "boxes", arquitecturas modulares para visionar vídeos que hacen las veces de teatros o salas de cine, que son reminiscentes de la escultura minimalista. Estas cajas son un truco para situar al espectador en una posición clara frente al trabajo y para evitar que caiga en algo muy común en el ámbito de la imagen documental: que el espectador se disperse y se desvincule de lo que ve, esto es, que acabe mirando hacia otro lado. Fogarasi estudió arquitectura y de ahí viene un interés por vincular imagen y espacio que está presente en todos sus trabajos. Su obra versa sobre las ciudades contemporáneas, sobre la arquitectura y urbanismo que las sustentan y sobre las connotaciones sociales y económicas que albergan.

Susan Hiller (EE.UU., 1940) inició su trayectoria artística en Londres a comienzos de los setenta. Pronto fue conocida por su innovadora práctica artística, que incluía obras de participación grupal como Dream Mapping (1974); instalaciones museológicas/archivísticas como Fragments (1978), Enquiries/Inquiries (1973 y 1975) o Dedicated to the Unknown Artists (1972/6); y muchas otras obras, ejecutadas en un amplio espectro de medios con los que explora la escritura automática, la percepción extrasensorial, fotomatones, papel pintado, postales y otros aspectos despreciados de la cultura popular.  Un denominador común a todas sus obras es que parten de un artefacto cultural presente en nuestra sociedad. En su trabajo, Hiller efectúa una excavación de las facetas soslayadas, ignoradas o directamente rechazadas de nuestra producción cultural compartida y sus diversos proyectos han sido descritos como investigaciones en el 'subconsciente' de la cultura. Su talla se ha visto avalada por retrospectivas en el Institute of Contemporary Art (1986) y Tate Liverpool (1996), así como por numerosas exposiciones individuales y monográficas y grandes muestras colectivas internacionales. Susan Hiller ha recibido numerosos premios y reconocimientos, como el Premio de la Fundación Gulbenkian al Mejor Artista Visual (Londres 1977 y 1978); National Foundation for the Arts Fellowship (EE.UU. 1982); Visual Arts Board Travelling Fellowship (Australia 1982); Guggenheim Fellowship (EE.UU. 1998); y la beca DAAD (Berlín 2002).
Benjamín Menéndez (Avilés, Asturias, 1963) es pintor, escultor, instalador, profesor… y, sobre todas las cosas, un reconstructor tenaz del mosaico de la memoria, a través de los materiales de que aquélla está hecha. Esos materiales son los verdaderos protagonistas de su trabajo, más allá de la forma en que se materializan: la tierra, a través del trabajo cerámico; los minerales, por obra y gracia de su transformación industrial; y hasta los sueños, los deseos y las sensaciones canalizados por los caminos del color y la textura, mediante la pintura. Todos esos materiales desbordan, con su fuerza, las formas en que se concretan, y hablan, en último extremo, de la simbiosis, drástica y sostenida, de la experiencia humana con el entorno donde dicha experiencia se desenvuelve. En la verdad de esa simbiosis reside finalmente la verosimilitud de las obras, aparentemente tan diversas y dispares, de este artista.

Tomás Miñambres (Gijón, 1971) ha expuesto de manera individual y colectiva en diferentes instituciones y galerías: Generación 2004 de Cajamadrid, Wip:sthlm Stockholm, Galería Luis Adelantado, ARCO, Galería Espacio Líquido, Galería Trama, Bienal Internacional del Deporte Bida 07, Fundación Botín, Concurso de Fotografía Purificación García, Magazine Sala Amadís, Galería Canem y Museo Barjola, entre otros. Su obra forma parte de colecciones como Testimonio de La Caixa, Comunidad de Madrid, Caja Madrid, Caja Asturias, así como diferentes colecciones de ámbito privado. Ha sido galardonado en los Premios de Arte CajaMadrid y el Premio ABC de Fotografía, entre otros. Además de su labor como artista, desarrolla una carrera paralela como fotógrafo profesional (publicidad, editorial, arquitectura, moda) y ha colaborado con diferentes publicaciones, instituciones y empresas de ámbito nacional y europeo.

Deimantas Narkevicius (Utena, Lituania, 1964) Vive y trabaja en Vilna. Comenzó creando filmes a principios de los noventa. En sus piezas fílmicas, recurre a la enmarañada práctica de la memoria y efectúa un retrato de una sociedad contemporánea enfrentada a los dolorosos procesos de la historia. La cámara le ofrece la oportunidad de explorar diferentes narrativas y de jugar con el curso del tiempo. En el medio fílmico, Narkevicius encuentra un medio perfecto para investigar los lenguajes sonoro y visual. En sus filmes, las disyunciones entre palabras e imágenes ponen de manifiesto la imposibilidad de crear un documental objetivo. Evita los primeros planos tan habituales del documental contemporáneo, utilizados para subrayar la veracidad del testimonio del personaje entrevistado. Los protagonistas de sus narraciones están, a menudo, ausentes de la pantalla, reemplazados por objetos, dibujos o por otros elementos sustitutivos.

Susan Philipsz (Glasgow, 1965) estudió Bellas Artes en Duncan of Jordanstone, Dundee, completando después un Máster en Bellas Artes en Belfast. En la actualidad vive y trabaja entre Berlín y el Reino Unido. En 2000, se le ofreció la posibilidad de participar en el programa internacional de estudios del PS1 de Nueva York. Tras finalizarlo, cursó una residencia de un año en el Kunst-Werke de Berlín y, en 2003, el programa Art Pace de San Antonio. También en 2003, tomó parte en Days Like These, Trienal de Arte Británico, Tate Britain. A través del poder evocador del sonido, Philipsz viene construyendo una obra artística que la ha llevado a definir su obra a partir de la memoria, las referencias y las emociones que los sonidos nos pueden producir. Crea piezas sonoras con su propia voz, la cual lejos de haber sido educada para el canto, ayuda por su carácter espontáneo y no profesional a establecer vínculos emocionales entre las piezas y el espectador. Canciones populares muy conocidas son interpretadas por la artista para reformular con sus instalaciones la percepción del espacio expositivo en una grata y peculiar invitación hacia la experiencia artística. De esta manera, la subjetividad cobra un valor de gran importancia porque configura una obra diferente según cada espectador. Sin embargo, lo que pretende Philipsz con su trabajo es explorar los límites de la capacidad performativa del visitante al poder éste desplazarse a otros espacios y momentos, e indagar en las posibilidades escultóricas que se pueden crear a partir del sonido como elemento moldeador.

Juan José Pulgar (Gijón, 1971) es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo. Entre 1999 y 2001 realiza estudios de Fotografía artística en la Escuela de Arte de Oviedo. Pulgar ha desarrollado un trabajo directo de recuperación de la memoria retornando una y otra vez a los lugares donde se produjeron los acontecimientos, campos de batalla poblados de nuevo por las lápidas de las víctimas, paisajes casi bucólicos que guardan en el subsuelo historias aterradoras, frentes bélicos que asistieron como testigos mudos al conflicto y los muertos en el mismo, desde sus fotografías, resitúa a las víctimas en el lugar. Historia y Fotografía como un ensamblaje de imágenes que recuperan, en otras ocasiones, instantáneas del pasado para contrastarlas con nuevas tomas minuciosamente encuadradas en el mismo punto de vista. Juan José Pulgar ha recibido entre otros premios el VII Premio Astragal, subvención para producción artística de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Gijón en 2006 y 2008, Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias en el 2006.

Martha Rosler (Nueva York, EE.UU.) trabaja con todo tipo de medios, incluyendo fotografía, escultura, vídeo e instalación. Su trabajo dentro de la esfera pública se centra en la existencia cotidiana y en los medios de comunicación, así como en la arquitectura y la vivienda, con la mirada puesta en la experiencia de la mujer. En su investigación de la cotidianidad, ha realizado obras sobre los sistemas de viaje por avión, automóvil o metro. Rosler lleva tiempo produciendo obras sobre la guerra y el “clima de seguridad nacional”; en sus últimas exposiciones individuales, se ha centrado en la guerra de Afganistán e Iraq. Otras obras proponen exploraciones históricas, como las giras de autobús tituladas An Empty Space in Ottensen (Hamburgo, 1993) o Liverpool: Delving and Driving (Bienal de Liverpool, 2005). Entre otras, mencionaremos Kassel Gardens from the Perspective of a Mole (documenta 12, 2007); y Location, Location, Location (Portikus, 2008), en donde relaciona la historia y la arquitectura de Frankfurt. Un proyecto en marcha, la Martha Rosler Library, recorre desde 2005 los Estados Unidos y Europa.

Avelino Sala (Gijón, 1972). BA (Hons. degree) en Critical Art Practice por la Brighton University, es coeditor de la revista Sublime (www.sublimeart.net) y cofundador del grupo curatorial Commission. Trabaja con conceptos relacionados con la sociedad actual, sus crisis y esperanzas, desde una perspectiva tardo-romántica, la crítica, la soledad, el antihéroe, la espera o el drama. Su visión parte de lo apocalíptico o lo irónico y ofrece una puerta a la esperanza y a la resistencia. Ha participado en eventos y proyectos como la Bienal de Caracas (2006), Poles Apart/Poles Together de la Bienal de Venecia (2005), Reflexionen en la Rostock Kunsthalle (2005), La Bienal de Valencia (2007), Small Revolutions, Tina Festival de Praga (2008), The Promised Land, Chelsea Art Museum NY (2008), o FWWM, Central Park, Embajada suiza en NY (2008). Becado por Caja Asturias, Hangar en Barcelona y Bilbao Arte entre otros sponsors, su obra forma parte de diversas colecciones como la colección Testimonio de Caja Madrid (premio Generación 2003), El Consejo Superior de Deportes, Explum, entre otros. En 2007 gana el premio Artport Internacional Award video en Basel Suiza, otorgado por la UNESCO y la NY Foundation for the Arts. En la actualidad prepara trabajos para la Bienal de La Habana, la galería Virgil de Voldere en Nueva York y la Casa de España en Santo Domingo entre otras.

Hito Steyerl (Alemania, 1966) es cineasta y trabaja como realizadora y autora en los campos del film/vídeo documental de ensayo, media art y vídeo-instalación. Sus obras se sitúan en la interfaz entre el cine y las bellas artes y entre la teoría y la práctica, centrándose en el tema de los medios dentro de la globalización y la migración de sonidos e imágenes. Ha escrito un libro sobre el documental artístico y editado varios otros. Entre sus exposiciones individuales recientes, destacan las celebradas en Kunsthalle Winterthur, Suiza 2008; Moderna Museet, Estocolmo, Suecia 2008; 300m3 Art Space Gotemburgo, 2007; Signal Gallery Malmoe (con Martin Jacobson), 2006; y Underground Gallery, Atenas (con Vangelis Vlahos), 2004. Lucinda Torre (Langreo, Asturias, 1965) es Licenciada en Historia del Arte. Ha producido, escrito y dirigido varios cortometrajes, documentales corporativos y programas para TV. Desde el año 93 forma parte del equipo de Programación de Cine y Documentales de Telemadrid. En estos momentos trabaja en la preproducción del largo de ficción Alegría. Es miembro fundador de la productora BAC MEDIA, cuyo objetivo es desarrollar proyectos cinematográficos, televisivos y multimedia, con especial atención a la creación de documentales y nuevos formatos para televisión y otros canales de difusión. También ha sido impulsora de ARDA, Asociación de Realizadores y Directores de Asturias. En el año 2000 fue nominada al “Goya al Mejor Cortometraje de Ficción” por El beso de la tierra.

Jasmila Zbanic (Sarajevo, 1974). Guionista y directora, Zbanic se inició en la creación fílmica en 1997, cuando fundó Deblokada, una sociedad de artistas con la que produjo, escribió y dirigió numerosos documentales, piezas de vídeo arte y cortos. Su obra se ha proyectado en festivales de cine y exposiciones de todo el mundo. Entre sus piezas más importantes destaca Grbavica (2005), Oso de Oro en la Berlinale de 2006, Gran Premio
del Jurado en el AFI Fest 2006, Los Ángeles; nominación al Mejor Filme Europeo y Mejor Actriz Europea en 2006, por Birthday Short Feature Film (2004, parte del filme colectivo Lost & Found), Images from the Corner (2003; Premio Veliki pecat, Festival de Cine Documental de Zagreb, Croacia). Sus películas y vídeos han podido verse en varias exposiciones con gran éxito y en acontecimientos e instituciones internacionales como Manifesta 3 en Eslovenia (2000), Bienal de Estambul (2003) o Kunsthalle Fridericianum en Kassel (2004).